Dans le cadre du séminaire CEEI/Thalim La lettre et la ligne III – Images de sons, le CEEI accueille Michèle Métail et Louis Roquin pour deux interventions consacrées respectivement au poète Wang Wei et à Journal de sons.

Michèle Métail parlera du peintre, poète, musicien et calligraphe chinois Wang Wei (701 – 761), qui a composé des œuvres ouvrant sur des perceptions sensorielles multiples, dans lesquelles les sons du quotidien tiennent une place importante. Entre traits de peinture (les rides), sons et mots du poème, se tissent des liens qui ont inspiré son livre, Le Paysage après Wang Wei. Vingt vues à traits superposés écrit suite à un voyage en Chine en 2011 sur les traces du poète (à paraître chez Lanskine).

Louis Roquin évoquera son œuvre Journal de sons. Le Journal de sons n°6, Photophonies, évoque les mêmes lieux et les mêmes sons que le Paysage après Wang Wei. Cette intervention sera complétée de différentes approches de l’œuvre de Louis Roquin (discutantes : Violaine Anger, Marina Maluli-César, Lenka Stransky).

Cette séance, qui conclura le séminaire annuel, s’achèvera avec un moment musical en compagnie du compositeur et accordéoniste Olivier Innocenti (improvisation musicale sur « la lettre et la ligne : images de sons » et à propos de l’œuvre de Louis Roquin).

Inscription obligatoire (jauge Covid : 23 personnes).

Contact : violaine.anger@gmail.com

Organisation : Violaine Anger (Université d’Evry Val d’Essonne/ CERCC-Centre d’études et de Recherches comparées sur la création), Hélène Campaignolle-Catel (CNRS, Université Sorbonne nouvelle, UMR Thalim) et Marianne Simon-Oikawa (Université de Tokyo, Thalim)

Dans le cadre du séminaire La lettre et la ligne III – Images de sons, le CEEI accueille Violaine Anger et Thomas Le Gouge pour deux interventions intitulées respectivement « Ligne et corde, lettre et nom : le diagramme sonore et l’image dans le monde de l’alphabet » et « Diagramme et schéma autour du XIIIe siècle ».

Mardi 18 mai 2021, 14h-16h

En ligne. Le lien vers la réunion Zoom sera envoyé aux participants la veille. Contact : violaine.anger@gmail.com

Violaine Anger

« Ligne et corde, lettre et nom : le diagramme sonore et l’image dans le monde de l’alphabet »

Résumé

On connaît l’importance de la ligne dans la pensée platonicienne : elle permet de penser le rapport entre les idées, les images et le monde. Mais elle est aussi, divisée soigneusement, figuration d’une corde où l’on peut situer les nombres irrationnels mais consonants qui structureraient le monde. Ces points importants de la corde, qui sont des rapports numériques, des distances, autant que des sons sont repérés par des lettres. Cette pensée est léguée, avec des précisions notables, par Boèce qui fait dans ses livres une synthèse de la théorie mathématique et musicale antique.

Au IXe siècle, la corde unique et pincée en divers endroits devient un modèle abstrait pour ordonner entre elles les différentes cordes de la cithare. Le nom d’un son isolé devient alors caractéristique, non plus d’un nombre, mais d’une situation non visible dans une structuration sonore indépendante. Subsistent toutefois l’alphabet et la pensée alphabétique, mais dans un lien renouvelé à l’image.

L’intervention précisera ces points en essayant de comprendre, dans ce contexte, les rapports complexes de l’alphabet et de l’image ou en tout cas de la figuration.

Présentation

Ancienne élève de l’École normale supérieure, ancienne élève du Conservatoire national supérieur de musique de Paris, habilitée à diriger des recherches, elle enseigne à l’Université d’Évry et à l’École polytechnique. Membre du CEEI, elle poursuit sa recherche au CERCC, Centre d’Études et de Recherches comparées sur la Création, Équipe d’accueil 1633.

Elle a écrit de Le Sens de la musique, Paris, 2006, Sonate, que me veux-tu ? Lyon, Ens éditions, Lyon, 2016 ; Berlioz et la scène, penser l’incarnation théâtrale, Paris, Vrin, 2016, Giacomo Meyerbeer, Paris, Bleu Nuit, 2017, Voir le son, écriture, image, chant, Paris, Delatour, 2020, et de nombreux articles.

Thomas Le Gouge

« Diagramme et schéma autour du XIIIe siècle »

Résumé

La traduction de nombreux textes philosophiques et scientifiques de l’arabe vers le latin dans le courant du XIIe siècle entraine un changement profond dans la représentation du monde. L’astronomie n’est en effet plus dominée par la figure de Boèce dont la géométrie des mouvements célestes est comprise à partir de la théorie des harmonies musicales mais par le modèle physique hérité de Ptolémée et d’Aristote. Ce changement dans le savoir entraine un changement de paradigme graphique. Alors que les figures didactiques des siècles précédents méritaient en effet d’être interprétées comme de l’écriture (des dia-grammes), à partir du XIIIe siècle, elles prennent un caractère très différent qui les fait davantage ressembler à des images. Ce nouveau type de schématisation et de représentation qui apparait à cette époque semble dominer ensuite bien trois siècles d’approches scientifiques et d’interprétation populaire pour ne s’effondrer que lentement au cours du XVIe siècle. Je présenterai dans cette intervention un certain nombre de schémas en montrant leur originalité graphique et tenterai de proposer quelques comparaisons avec des enluminures.

Présentation

Thomas Le Gouge a soutenu sa thèse de doctorat en philosophie de l’art à l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne (décembre 2020), intitulée Schémas de cosmologie et géométrie de l’image du monde. XIIIe-XVIe siècle et centrée sur la théorie de l’image et la philosophie de l’espace au Moyen Age. En parallèle de ses recherches sur la fin du Moyen Age, il mène une réflexion sur les rapports entre la théorie des médias et l’art après la seconde guerre mondiale ainsi que sur l’Esthétique de Hegel. Après avoir été assistant scientifique à l’université de Dresde, il est aujourd’hui chargé de cours à Paris 1 (UFR de philosophie) et à l’UCO d’Angers (département d’histoire de l’art/art plastique).

Publications

– « Le grand Animal. Albert le Grand, De caelo », dans Matrice et signum, la croix dans la culture médiévale occidentale, Isabelle Marchesin, Sébastien Biay (dir.), INHA/DFK, Paris, 2020

– « Voir la terre. L’Image du monde de Gossuin de Metz », dans Au Prisme du Manuscrit : Littérature Française Médiévale (c. 1300-1550), Sandra Hindman, Eliott Adam (dir.), Brepols, 2019, p.15-34.

– « Le toit de Notre-Dame. Les apories de la reconstruction à l’identique », La Vie des idées, avec Bruno Haas, 25 juin 2019. ISSN : 2105-3030. URL : https://laviedesidees.fr/Le-toit-de-Notre-Dame.html

Double conférence : Sarah Hassid, « Les livres-partitions de Jean-Georges Kastner : supports de l’imaginaire musical au XIXe siècle », et Lenka Stransky, « Comprendre la ligne, décrire l’image : la portée au-delà des notes »

Dans le cadre du séminaire La lettre et la ligne III – Images de sons, le CEEI accueille Sarah Hassid et Lenka Stransky pour deux interventions intitulées respectivement « Les livres-partitions de Jean-Georges Kastner : supports de l’imaginaire musical au XIXe siècle » et « Comprendre la ligne, décrire l’image : la portée au-delà des notes ».

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Sarah Hassid, « Les livres-partitions de Jean-Georges Kastner : supports de l’imaginaire musical au XIXe siècle »

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Résumé

Dans les vingt dernières années de sa vie, entre 1845 et 1867, le compositeur et musicographe Jean-Georges Kastner rédige des ouvrages atypiques que les critiques du temps nomment « livres-partitions ». Consacrées aux sirènes, aux danses des morts ou encore aux cris de Paris, ces sommes se composent d’un essai historique érudit parfois accompagné de planches illustrées et d’une partition musicale originale de l’auteur. Ces objets d’un genre nouveau au XIXe siècle fournissent des supports à la fois sémiotiques, didactiques et créatifs d’un imaginaire musical revivifié. Ils proposent, en outre, grâce aux interactions entre les signes graphiques, les sons et les images, des mises en scène et en récit d’une matière historique complexe où les savoirs profanes et scientifiques s’entremêlent.

Présentation

Diplômée de l’Ecole du Louvre et du Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris, Sarah Hassid a soutenu en 2019 une thèse de doctorat à l’Université Paris I intitulée « L’imaginaire musical et la peinture en France entre 1791 et 1863 : mythes, pratiques et discours ». Elle est actuellement post-doctorante de l’EUR Translitterae, rattachée aux laboratoires Thalim et ITEM, et de la Bibliothèque nationale de France. Elle mène un projet de recherche sur le compositeur et musicographe Jean-Georges Kastner (1810-1867) à partir de ses manuscrits littéraires et musicaux.

Bibliographie

« Chevauchées romantiques de la toile au clavier : les métaphores équestres de l’artiste » dans Un duel romantique. Le Giaour de Lord Byron par Delacroix, catalogue d’exposition au Musée Delacroix, Paris, musée du Louvre éditions/Le Passage, 2020, p. 66-77.

« Les “musicalités picturales” dans La Danse et La Musique d’Henri Matisse » dans Liber Amicorum Florence Gétreau, Paris, CNRS, 2019, p. 277-288.

« Du pouvoir de la musique dans l’atelier : survivances d’un mythe léonardien au XIXe siècle », dans P. Wat (dir.), Actualité de la recherche en histoire de l’art du XIXe siècle. Histo.art 10, Paris, Éditions de la Sorbonne, 2018, p. 15-30.

« Beethoven ou l’inspiration transfigurée » dans Ludwig Van. Le mythe Beethoven, catalogue d’exposition à la Philharmonie de Paris, Paris, Gallimard, 2016, p. 60-65.

« Odilon Redon et Louis Français : paysages orphiques et musique au salon de Berthe de Rayssac », dans La nature silencieuse. Paysages d’Odilon Redon, catalogue d’exposition au Musée des Beaux-Arts de Bordeaux, Gand, Snoeck, 2016, p. 59-69.

Héros/errants d’une histoire à contretemps. Le salon littéraire, artistique et musical de Madame de Rayssac, Paris, École du Louvre/Réunion des Musées nationaux, 2015, 328 p.

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Lenka Stransky, « « Comprendre la ligne, décrire l’image : la portée au-delà des notes »

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Résumé

Différentes hypothèses sur les raisons de l’apparition de la ligne dans l’écriture musicale peuvent être avancées : la ligne en tant que représentation des cordes ; la ligne comme soutien graphique au copiste qui trace les neumes au-dessus du texte ; la ligne comme moyen d’améliorer la lisibilité des signes notationnels…

Quoiqu’il en soit, depuis ses origines, la ligne entre en interférence — voire en contradiction — avec des signes neumatiques encore affranchis du concept de « hauteur du son » ; et c’est précisément la ligne qui vient imposer un diagramme permettant de transcrire les sons d’une manière certes plus « précise », mais conduisant peu à peu à la domination de l’acte de lecture par la topologie des signes au détriment de leur géométrie et de leur dimension. En effet, l’importance de ces dernières est progressivement évincée par la stabilisation, à partir du XIIIe siècle, du système conventionnel dont la portée à cinq lignes privilégie désormais la position — donc la composante topologique — du signe. Dès lors, le rôle dans l’écriture de cette portée de la notation conventionnelle devient central pour ne pas dire « dictatorial », reflétant le triomphe de la logique du concept de « hauteur du son » — résultat d’une construction rationnelle où la qualité « grave-aigue » est première dans la perception.

Après l’avènement de l’imprimerie, les manuscrits ainsi que les autographes manuscrits témoignent clairement de la confrontation entre, d’un côté, les lignes réglées et espacées régulièrement et, de l’autre, les graphismes des figures de notes individualisées, qui nous renseignent aussi bien sur le processus de création que sur le caractère personnel propre à chaque compositeur.

Qu’est-ce qui pousse Leoš Janáček à s’opposer à cette dictature de la portée et à rejeter le papier à musique pour tracer ses propres lignes à la manière d’une image qui présente le sonore plus qu’il ne le représente ? Pourquoi ceux des plasticiens (Milan Grygar, Karl Peter Röhl, Tom Phillips, Claude Melin…) dont la pensée artistique est dominée par les interactions entre le sonore et le visuel recourent systématiquement — mais d’une manière très particulière — à la ligne plus qu’aux autres signes graphiques, au point que dans leur pensée, la portée devient bien plus qu’un diagramme pour acquérir le statut de véritable icône de type image ou métaphore ? Pourquoi est-il si fréquent que dans les partitions graphiques, verbales ou conceptuelles, la fonction des lignes de la portée est surtout de diviser, de séparer, de limiter, plutôt que d’indiquer ? D’où vient donc cette envie de distordre la ligne ? La ligne est-elle toujours une représentation de la linéarité ? Comment la ligne gouverne-t-elle l’action et l’émergence de la règle en cohabitation avec la lettre ? … Telles sont les questions, parmi d’autres, que nous nous posons en interrogeant des partitions de Leoš Janáček, des œuvres de Milan Grygar, de Peter Graham, de Milan Adamčiak, de Roman Haubenstock-Ramati, Karl Peter Röhl, Jacques Calonne…

Présentation

Docteur en Histoire de la musique et Musicologie de l’Université de Paris-Sorbonne, Lenka Stransky est actuellement chercheur au Laboratoire LIttérature SAvoirs et Arts (EA 4120) et chargée de cours à l’Université G.Eiffel, et chercheur associée au Groupe de recherche d’Histoire (EA 3831) de l’Université de Rouen. Depuis 2011, elle est également directrice fondatrice du groupe et du festival aCROSS (rencontres artistiques, scientifiques et pédagogiques dédiées aux diverses formes d’expression entre son, image, geste et mot), et directrice de la collection « Art, Création, Recherche, Outils Savoirs, Synesthésies » des Editions Delatour France. Ses travaux de recherche portent sur plusieurs thèmes : les transferts culturels de la musique tchèque et française du XXe siècle, les relations Musique/Arts visuels ou Musique/Littérature (le symbolisme littéraire et le romantisme musical, l’expressionnisme (publication Les mots et les sons) ; le langage musical et les interactions entre pensée sonore et pensée visuelle du XXe siècle (éditions critiques, partitions graphiques et verbales, la pensée diagrammatique, l’art numérique…).

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Dans le cadre du séminaire La lettre et la ligne III – Images de sons, le CEEI accueille Véronique Alexandre Journeau et Marina Maluli César pour deux conférences intitulées respectivement « La lettre poétique et la ligne musicale » et « L’écoute du blanc et la visualité du silence dans les graphismes musicaux ».

mardi 16 mars 2021, 14h-16h
Visioconférence, sur inscription auprès de Violaine Anger (violaine.anger@gmail.com).

Véronique Alexandre Journeau, « La lettre poétique et la ligne musicale »

Résumé

Un genre de poésie chantée, né à la fin des Tang (唐), connaît un essor remarquable sous les Song (宋, 960-1279) : c’est le règne du « ci (詞) » poème chanté, genre populaire aussi bien que savant. Les poètes doivent composer sur une mélodie donnée et perfectionnent lors de joutes poétiques, au gré de la circulation d’une coupe de vin, l’art et la manière de faire se correspondre la lettre poétique et la ligne musicale, correspondance qui est l’objet de la conférence.

Présentation

Véronique Alexandre Journeau, Dr en musicologie (Sorbonne université) et Dr. en sinologie (Université Paris Diderot), actuellement chercheure HDR au Creops (Centre de recherche sur l’Extrême-Orient de Paris Sorbonne), est l’auteur de nombreux articles (en français, anglais et chinois) et d’ouvrages dont Poétique de la musique chinoise (L’Harmattan, 2015). Depuis 2009, elle est la directrice de la collection « L’univers esthétique » (Paris, L’Harmattan, site : http://www.editions-harmattan.fr/index.asp?navig=catalogue&obj=collection&no=786) ; depuis 2010, elle dirige, en partenariat interuniversitaire, l’équipe de recherche interartistique et interculturelle LangArts (site : https://langarts.hypotheses.org) dont les publications les plus récentes sont : L’instant et l’essence de l’inspiration à la croisée des arts et des cultures (à paraître en décembre 2019), Du signe à la performance – La notation, une pensée en mouvement (2019) et Penser l’art du geste en résonance entre les arts et les cultures (2017).

Marina Maluli-César, « L’écoute du blanc et la visualité du silence dans les graphismes musicaux »

Résumé

Cet article s’intéresse aux relations établies entre l’interaction des couleurs et l’écoute des sons en focalisant sur les aspects propres à la représentation musicale et la notation graphique. L’objectif sera de comprendre les processus de création dans le domaine musical et visuel par l’échange entre les caractéristiques spatiales et temporelles de la couleur et du son par un paramètre commun: le rythme perceptif. Pour ce faire, nous prenons comme éléments d’analyse le silence, le vide, le blanc et l’instant présent de façon à proposer une lecture des White Paintings de Robert Rauschenberg et de l’apparence visuelle de certaines éditions des œuvres 4’33″ et 0’00″ (ou 4’33″ n.3) de John Cage. À partir de l’hypothèse qu’une œuvre d’art raconte sa propre genèse, nous traiterons de la présence sensible, la négativité esthétique et la parole parlante dans une référence aux études phénoménologiques de base merleau-pontienne. La méthodologie que nous proposons utilise les théories de l’interaction des couleurs de W. Goethe et Joseph Albers pour faire ressortir les forces et les tensions établies entre les dimensions de l’extensité et d’intensité responsables de la signification d’un texte. En ce sens, nous montrerons comment la sémiotique tensive et l’exploration du concept de présence sensible permettent d’arriver à une interface entre différents langages artistiques tels que les arts visuels et sonores. Nos conclusions permettront de comprendre comment les indications d’exécution présentées par la notation musicale peuvent entraîner des variations de présence et d’interaction de l’artiste et du public par rapport à l’œuvre.

Présentation

Pianiste, musicologue et professeure de piano, Marina maluli-César a obtenu en 2017 un doctorat Musicologie à l’Université Paris-Sorbonne et en Sémiotique et Linguistique Générale à l’Université de Sao Paulo – Brésil avec une thèse sur les graphismes en musique. Elle a également réalisé des stages de recherche à l’Université de Liège (2012) et à NYPL (2017) autour de l’œuvre Notations de John Cage. Actuellement elle enseignante au conservatoire de Pantin et chercheuse associée à l’IReMus (Institut de Recherche en Musicologie). Ses thèmes de recherche sont la représentation musicale, l’analyse sémiotique de la performance musicale et l’usage de graphismes en musique.

discutante : Marianne Simon-Oikawa

Editeur sous le nom de Sixtus/Editions dans les années 1990, Didier Mathieu est directeur du Centre des livres d’artistes de Saint-Yrieix-la-Perche depuis 1999. A ce titre, il a réalisé une soixantaine d’expositions tant en France qu’à l’étranger et a dirigé l’édition des catalogues raisonnés des publications de : Bernard Villers, herman de vries, Lefevre Jean Claude, Paul-Armand Gette et – avec Marie-Hélène Breuil – de claude rutault. Par ailleurs il enseigne à l’Ecole nationale supérieure d’art de Limoges. Il est membre de l’Association Internationale des Critiques d’Art.

Marianne Simon-Oikawa est Maîtresse de conférences HDR à l’Université de Tokyo. Ses recherches portent sur les relations entre le texte et l’image en France et au Japon. Depuis plusieurs années, elle s’intéresse plus particulièrement à l’oeuvre d’Ilse et Pierre Garnier.

Résumé de la conférence:

Pour introduire mon propos, cette citation de Dick Higgins (Cambridge, 1938 – Québec, 1998) artiste, poète, écrivain, performeur, théoricien et éditeur américain (notamment sous le nom de « Something Else Press ») dans laquelle il énonce ce qu’il entend par « notation » : « By “notation” here I am referring to the normative sort of musical notation, in which there is some kind of correspondance between space, time, word and sound and some form of graphic or textual indicator of those elements. » (Horizons. The Poetics and Theory of the Intermedia, Carbondale, Southern Illinois University Press, 1984). Et il prend comme exemple le das fussballspiel – ein stereophones hörspiel de Ludwig Harig publié par Hansjörg Mayer à Stuttgart en 1967.

Séance initialement prévue le 28 avril (La lettre et la ligne II)

Discutantes : Danièle Cohn, Professeur de philosophie, Université Paris I-Panthéon Sorbonne, et Marcia Arbex, Professeur de Littérature française, Universidade Federal de Minas Gerais (UFMG), Brésil

Séance en distanciel. Les personnes intéressées sont priées d’envoyer un mail aux adresses suivantes :

helene.campaignolle-catel@sorbonne-nouvelle.fr

msoikawa@l.u-tokyo.ac.jp

Un lien de connexion leur sera envoyé la veille.

Résumés

(La lettre et la ligne II)

Nicolas Aiello (1977) est diplômé de l’École supérieure d’art de Grenoble. Ses premiers travaux se sont définis autour d’interventions dans l’espace public. Depuis 2008, la pratique du dessin comme expérience subjective de transcription, liée à l’écriture, a pris une place centrale dans son travail. Elle lui permet d’investir l’espace urbain, l’espace imprimé et les récits latents des documents d’archives. Son travail a été montré dans de nombreuses expositions en France (Musée des Arts Décoratifs à Paris, Bibliothèque nationale de France, Galerie 22,48 m2…) et à l’étranger (Kunstverein de Hamburg, Musée Albertina de Vienne…). Il prend également la forme de projets éditoriaux, en collaboration avec diverses structures (URDLA, Lendroit Éditions, Christophe Daviet-Thery, CNEAI…). Depuis quelques années, il collabore de manière régulière avec la Galerie C de Neuchâtel (Drawing Now 2017). Il enseigne à l’ESAD de Reims.

Nicolas Aiello présentera son travail, dans lequel la gestuelle du tracé et l’utilisation du trait dépassent les divisions habituelles entre « dessin » et « écriture ». Ce sera aussi l’occasion de découvrir les images encore inédites d’une recherche en cours, intitulée Le dessin comme outil épistémologique, réalisée à partir de carnets d’historiens de l’art (Meyer Schapiro et Aby Warburg, notamment).