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[Double conférence] Séminaire Usages et valeurs du noir, séance n°6, le 6 avril 2022, 16h-19h

Dans le cadre du séminaire “Usages et valeurs du noir”, le CEEI accueillera Valérie Sueur en discussion avec Michel Melot et Olivier Deprez en discussion avec Jan Baetens pour deux interventions respectivement intitulées La quête du noir dans l’estampe au XIXe siècle et Le noir comme matériau. La séance se déroulera en présentiel à l’INHA, en salle Vasari, et, pour les personnes ne pouvant se déplacer, en visioconférence. Entrée libre dans la limite des places disponibles, adresse : Institut National d’Histoire de l’Art, 2 rue Vivienne, 75002 Paris, salle Vasari.

Merci de vous inscrire auprès de Marie Laureillard pour obtenir le lien de connexion, qui vous sera envoyé la veille : mlaureillard@free.fr

La quête du noir dans l’estampe au XIXe siècle par Valérie Sueur

Discutant : Michel Melot

Résumé : L’estampe est l’art du noir et blanc par excellence. Au XIXe siècle, l’équilibre entre le blanc du papier et le noir de l’encre tend à se rompre au profit de ce dernier. Le pouvoir suggestif du noir devient l’allié d’un romantisme sombre et visionnaire qui s’étire jusqu’à la fin siècle. De Francisco de Goya à Odilon Redon, les peintres-graveurs explorent les ressources de la matière obscure. De l’eau-forte à la lithographie, en passant par la gravure sur bois, chaque procédé mis en œuvre enrichit le nuancier des noirs.

Notice biographique : Valérie Sueur-Hermel est conservatrice générale au département des Estampes et de la photographie de la Bibliothèque nationale de France, responsable des collections du XIXe siècle. Elle enseigne également à l’Ecole du Louvre dans la spécialité « Histoire de l’estampe ». Elle a été commissaire de plusieurs expositions dans ce domaine parmi lesquelles : Daumier, l’écriture du lithographe (Paris, BnF, mars-juin 2008), Henri Rivière. Entre impressionnisme et japonisme (Paris, BnF, mars-juin 2009), L’Estampe impressionniste. Trésors de la Bibliothèque nationale de France (Caen, juin-septembre 2010), Odilon Redon : prince du rêve, 1840-1916 (Paris, Grand Palais, mars-juin 2011) et Fantastique ! L’estampe visionnaire de Goya à Redon (Paris, Petit Palais, octobre 2015-janvier 2016 ; Bordeaux, musée des Beaux-arts, juin-septembre 2016).

Le noir comme matériau par Olivier Desprez

Présentation et discussion par Jan Baetens

Résumé : Dans l’œuvre d’Olivier Deprez, le noir est intimement lié au livre dont il est l’un des matériaux. Il est d’abord encre de gravure qui se pose sur le bois gravé et vient ensuite imprégner le papier de façon à rendre visible et lisible les textes et les figures, les formes, qui constituent les images, les cases, les planches. Le noir est également un moyen par lequel s’assurent une continuité, une cohérence, aussi bien que des ruptures, des sauts d’un livre à l’autre dans la trajectoire qui se tisse depuis l’adaptation du Château de Franz Kafka jusqu’à la revue expérimentale HOLZ en passant par le Blackbookblack et le livre WREK, les indigènes de l’abstraction. Par le biais de l’adaptation du roman de Kafka, le noir s’est d’abord affirmé à travers le récit gravé et un usage relativement traditionnel du livre. Ensuite, au cœur de dispositifs expérimentaux, le noir a été engagé dans de nouveaux enjeux. Le noir est alors interrogé par le biais de la performance (Blackbookblack), par le biais de la bande dessinée abstraite (WREK) et enfin via le livre expérimental (HOLZ).



Notice biographique : Olivier Deprez est né le 15 octobre 1966 à Binche, en Belgique, dans le Hainaut. Artiste, graveur sur bois, réalisateur de cinéma d’animation et bédéiste, il vit à Rogues dans les Cévennes où il a un atelier. La gravure sur bois est son médium privilégié. Il ne cesse d’en souligner les aspects liés à la matérialité et au processus et ne se lasse pas de la faculté du bois gravé à susciter des mondes. Pour l’auteur, le médium de la xylogravure est également un espace de rencontres, un médium propice à se couler dans des projets collectifs (Blackbookblack, WREK, HOLZ, CRS). Olivier Deprez est notamment l’un des fondateurs du collectif éditorial Frémok.

Son premier ouvrage significatif a été l’adaptation du roman de Franz Kafka Le Château (Frémok, 2003, 2018). Ses gravures sur bois accompagnent souvent les poèmes de Jan Baetens et ornent des couvertures de livres aux éditions Crise & critique, Maeltröm et Espace Nord. Il a aussi ponctuellement participé à des revues littéraires en publiant des textes et des images, par exemple dans la revue Formules, une revue des littératures à contraintes. L’artiste a également réalisé des performances dans des bibliothèques dans divers pays (Suisse, Suède, Russie, France, Belgique) et élaboré des installations dans des musées et des galeries, par exemple en 2019/2020 lors de l’exposition WREK NOT WORK à la Bibliotheca Wittockiana à Bruxelles.

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Dans le cadre du séminaire “Usages et valeurs du noir”,  le CEEI accueillera  Isabelle Davy en discussion avec Georges Bloess et Louis Daubresse en discussion avec Judith Langendorff pour deux interventions respectivement intitulées « Bill Viola : noir vidéo et corps-voix de l’obscur » et « Quand l’écran reste noir : le film face à sa propre absence ». La séance se déroulera en présentiel en salle Benjamin et, pour les personnes ne pouvant se déplacer, en visioconférence . Merci de vous inscrire auprès de Marie Laureillard pour obtenir le lien de connexion, qui vous sera envoyé la veille : mlaureillard@free.fr

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«  Bill Viola : noir vidéo et corps-voix de l’obscur par Isabelle Davy. Discutant : Georges Bloess.

Bill Viola, l’un des pionniers de l’art vidéo, est connu pour ses installations vidéo aux images fluides de paysages et de corps humains ainsi que pour ses références multiples aux traditions de pensée de l’Asie et des mystiques. Si l’œuvre témoigne de la symbolique de l’eau liée à la pensée du Vide comme fonds indifférencié, se nourrit aussi du soufisme, c’est-à-dire puise dans des symboliques culturelles, sa spécificité en tant qu’elle est aussi son historicité relève d’une symbolique du noir particulière qui nous montre le caractère indissociable d’une pensée du médium et d’une pensée du corps en art.

Par l’étude de plusieurs installations, grâce à la question d’ordre artistique et anthropologique du rythme, nous proposons de faire entendre une qualité tout à la fois de silence, de lenteur et d’obscurité comme épaisseur spatio-temporelle propice à une modalité négative de la connaissance du corps de l’homme comme du médium vidéo. La recherche d’un « monde crépusculaire aux confins de la perception et de la conscience humaine, là où se confondent les multiples vies de l’esprit[1] » se décline avec He Weeps for You (1976), Passage (1987), The Greeting (1995) … dans un brouillage des catégories du son et de l’image qui vient déstabiliser nos conceptions de l’entendre et du voir. Le texte « Video Black – The Mortality of the Image » (Writings 1973-1994)[2] nous aidera à percevoir un corps de l’humain qui emprunte à l’espace-temps d’un noir vidéo et devient espace corporel dans une voix de l’obscur. Par l’indissociabilité du corps et de l’individuation qui l’imprègne, l’œuvre de Viola nous fera ainsi nous interroger sur les valeurs de corporéité et d’altérité d’un corps-voix de l’obscur.

[1] Bill Viola, in Brisebois, Marcel, Bill Viola. Catalogue de l’exposition organisée au Musée d’art contemporain de Montréal, 21 janvier-14 mars 1993, p. 45.

[2] Bill Viola, Reasons for Knocking at an Empty House. Writings 1973-1994, Ed. Robert Violette en collaboration avec l’auteur, Londres : Thames & Hudson et Anthony d’Offay Galery London, 1995.

Notice biographique : Docteur Esthétique, Science et Technologie des Arts et Membre associé Laboratoire Arts des Images et Art contemporain – EA 4010, Université Paris 8. Nos recherches portent sur la question du rythme comme relation aux œuvres dans les arts de la peinture, de l’installation et de la performance dans le champ d’une poétique de l’art. Notions de médium, de spatialité et de temporalité, de corps, de sujet et d’individuation. Publications dans les revues Interfaces, Proteus. Cahiers des Théories de l’art, Histoire Épistémologie Langage.

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« Quand l’écran reste noir : le film face à sa propre absence  » par Louis Daubresse. Discutante : Judith Langendorff.

Plusieurs films font le pari de prolonger le temps d’exposition du noir initialement propre au dispositif cinématographique. Il s’agit pourtant à chaque fois de souligner une absence ou d’assumer un refus de l’image. Certes, les raisons peuvent être variables d’une œuvre à l’autre, notamment dans le cinéma narratif-représentatif-industriel (2001, l’Odyssée de l’Espace, 1968 ; Dancer in the Dark, 2000 ; Revolver, 2005) où son apparition renvoie à des logiques narratives propres aux personnages (confrontation à l’infini cosmique, cécité de plus en plus marquée ou pertes répétées de mémoire). Le noir a évidemment un rôle matriciel dans le domaine expérimental, notamment chez Stan Brakhage, par exemple avec Study in Color and Black and White (1993). On peut également penser à L’Homme-Atlantique (1981) de Marguerite Duras où l’écrivainecinéaste fait état de sa très grande méfiance à l’égard du visible et laisse s’exprimer une sorte d’iconophobie.

Il s’agirait de pointer, au-delà de ce trait commun à Duras, Kubrick, Ritchie ou Von Trier, la portée discursive du phénomène visuel qu’ils ont choisi de faire jaillir, entre matière expressive, recherche abstractive ou questionnement ontologique. La durée d’exposition de l’écran noir, la place, ses éventuelles nuances sont distinctes d’une œuvre à l’autre. Il faudra alors constater que dans ces cas de figures, l’élimination de l’image représentative se voit compenser par le recours à un montage sonore suggestif, énigmatique ou programmatique. Mais quoi qu’il en soit, l’usage qui en est fait au cinéma peut signifier le vide, le creux ou l’effacement mais en appelle les capacités du pouvoir auditif. Il peut aussi, dans une certaine mesure, permettre au spectateur d’imaginer le film qu’il aimerait voir en lieu et place de cette annihilation lumineuse (à l’instar de ce que proposent, dans des projections-performances, Nam June Paik ou Giovanni Martedi). En fuyant toute figure imageante, ils font le pari d’un noir comme émergence objectale se suffisant à elle-même.

Notice biographique : Membre de l’IRCAV, Louis Daubresse est docteur en études cinématographiques et audiovisuelles. Sa thèse, soutenue à l’Université de la Sorbonne Nouvelle – Paris 3, porte sur les esthétiques du silence dans le cinéma contemporain. Il a écrit des articles sur la disparition de la parole au cinéma, sur l’inversion pelliculaire comme forme filmique ou sur la représentation du tatouage à l’écran. Ses publications sont parues dans des revues comme Les Cahiers de l’Afeccav, La Furia Umana ou La Peaulogie. Il a également présidé l’association du festival de courts-métrages étudiants Objectif Censier. Enfin, il a été ATER aux universités de Clermont-Auvergne puis de Lorraine et y a enseigné l’histoire du cinéma, l’analyse filmique, l’approche des genres cinématographiques, le jeu d’acteur, la mise en scène, la reprise des archives ou encore les rapports entre sons et images.

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En marge du séminaire : Claire-Akiko Brisset, «Les Paravents japonais»

Dans le cadre du séminaire « Usages et valeurs du noir »,  le CEEI accueillera  Gaëtan Le Coarer et Philippe Franck pour deux interventions intitulées respectivement « Usages dans le Noir en Bande Dessinée et en Réalité Mixte » et « Poétiques et imaginaires du noir dans la création sonore actuelle ».

La séance se déroulera en visioconférence pour permettre aux personnes absentes de Paris de la suivre, car la salle dont nous disposons à l’INHA ne comporte pas d’accès à Internet. Merci de vous inscrire auprès de Marie Laureillard pour obtenir le lien de connexion : mlaureillard@free.fr

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Usages dans le Noir en Bande dessinée et réalité mixte, par Gaëtan Le Coarer

S’immerger dans un projet de bande dessinée « au jour du i » (Veyrat, 2019) implique de repenser une manière de faire cette bande dessinée et l’image que l’on communique de cette dernière. Dans le cadre de notre thèse « Bande Dessinée et Réalité Mixte, vers de nouveaux espaces de narration », nous développons un dispositif en réalité mixte, c’est-à-dire une inférence de la réalité virtuelle (VR) et de la réalité augmentée (AR) traversée par une architecture narrative singulière. Ce dispositif, ce projet intitulé AN DOMHAN, est une adaptation d’une légende celtique irlandaise en XR (Mann et al., 2018), où deux utilisateurs font de manière simultanée, par interférence, l’expérience d’une histoire pensée de deux points de vue et de deux situations différentes à partir de deux dispositifs techniques différents. En effet dans notre projet un utilisateur dispose d’un casque VR, et un autre dispose d’un smartphone fourni avec une application en AR. Les deux utilisateurs se trouvent dans un même terrain d’expérimentation.

Que ce soit du côté de l’AR ou de la VR, les utilisateurs sont plongés dans un environnement (Ryan, 2014) Noir. Ce Noir n’est pas que visuel, esthétique. Il intervient au cœur d’une architecture de la narration et fait interface entre les utilisateurs, entre le dispositif technique (rassemblant la VR et l’AR), et l’adaptation d’une légende littéraire. Le Noir nous permet en réalité mixte à la manière des outres-noirs (Cristiani, 2008) de Pierre Soulages d’explorer un outre-monde (Guyonvarc’h, 1980) que nous tentons de mettre en place avec l’expérience. C’est par le corps dans un procédé (Roussel, 2005) de mixité (Virilio, 1988, p. 148) que le Noir entre en action.

Ce Noir nécessite cependant des usages de lecture, un parcours à entreprendre dans le système proposé et scénarisé, impliquant le corps, afin de s’y confronter, non pas à un moment donné, mais dans un emplacement (Foucault, 2004) spécifique. Là où les expériences des espaces scénarisés se nouent. Les utilisateurs chacun de leur côté voient leur espace d’expérimentation (dans un entre-deux) s’entrechoquer, s’entremêler, s’interférer. Ainsi, le Noir dépasse déjà une forme conceptuellement hétérotopique (Foucault, 2009) par des usages réalisés dans Noir donc au travers du Noir et par le Noir. Une forme topologique découle de la nature spatiale du Noir et issue des usages par l’intermédiaire d’un dispositif technique de réalité mixte.

Nous verrons ainsi comment le Noir nous invite à repenser l’architecture spatiale de la narration en bande dessinée, et comment ce dernier apparait comme procédé structurant (Deleuze, 2015, p. 243) dans la mise en place d’un lieu autre à explorer par les lecteurs.

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Gaëtan LE COARER

Doctorant en Sciences de l’Information et de la Communication & Sciences de l’Art, je suis rattaché à l’AXE 2 « Textes Images et Arts Numériques » du laboratoire de recherche LLSETI. Le titre de ma thèse est « Bande Dessinée et Réalité Mixte, vers de nouveaux espaces de narration ». Je suis sous la direction de Ghislaine Chabert et Marc Veyrat. Au travers d’une méthodologie de recherche création et sur l’étude des usages, je conçois un projet de narration interactive en réalité mixte intitulé AN DOMHAN.

Mon intérêt de recherche sur la bande dessinée, le Noir, la narration et les technologies de l’information et de l’immersion s’est construit avec une pratique artistique et mon parcours académique. Je suis en effet titulaire d’une Licence Arts Appliqués parcours Design option Design et Culture Numérique ainsi qu’un Master Création Numérique parcours Hypermédia et Espace Intelligents.

J’ai déjà participé à plusieurs évènements tels que le World XR Forum, ou le Laval Virtual, ainsi que des workshops, séminaires et colloque tels que Texte et Image 4 : Humanité Numérique et Architexture poétique, Hyperurain 5, Texte et Image 5 : Les Fabriques des Histoires (dont j’ai géré le design éditorial)… Je vais continuer mon travail de recherche création dans le cadre d’une résidence Transculture en Belgique en fin d’année 2021.

Liens :

https://youtu.be/OZhYiX6kq4g

https://youtu.be/P8lpFxmRKk4

Contact : gaetan.le-coarer@univ-smb.fr

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Philippe Franck Poétiques et imaginaires du noir dans la création sonore actuelle

A partir de son expérience de commissaire artistique de nombreuses manifestations internationales d’arts sonores mais aussi d’artiste audio intermédiatique et de critique culturel, Philippe Franck propose une traversée subjective à travers différentes échappées de la création sonore actuelle aventureuse. De quoi le noir serait l’imag/inaire dans ces audio singularités (au regard de son présumé opposé, le blanc) ? Il présente plus particulièrement quelques projets d’artistes sonores qui donnent la primauté au noir et d’autres davantage associés au blanc. Black noise versus white noise ? Et si l’écho des contraires se répondaient…

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Philippe Franck (Be/Fr)

Historien de l’art, concepteur et critique culturel, producteur, créateur sonore et intermédiatique, Philippe Franck est directeur/fondateur de Transcultures, Centre des cultures numériques et sonores (La Louvière, Belgique), du festival international des arts sonores City Sonic (depuis 2003) et des Transnumériques, biennale des cultures numériques (depuis 2005). Il a été commissaire artistique de nombreuses autres manifestations d’arts contemporains, audio, hybrides et numériques en Europe et à l’international. Depuis 2018, il est également directeur des Pépinières européennes de Création. Par ailleurs, il enseigne également les arts numériques et l’analyse des médias et multimédias à l’Ecole Supérieure des Arts Saint-Luc (Bruxelles) et la création sonore à l’Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles et à l’Ecole Supérieure des Arts Visuels de Mons Arts2.

philippefranck.eu

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Double conférence :

Roxane Jubert

en dialogue avec Hélène Védrine (Sorbonne université)

« BLANC : un livre expérimental. Excursion entre recherche et création »

Résumé. Les sens de « blanc » rayonnent. Tout à la fois espace, lumière, clarté, page, absence de trace, contreforme, pause, respiration et suspension, ce mot fait miroiter mille significations – comme issues de la nuit des temps – qu’il projette à perte de vue. Le projet intitulé BLANC est une création en forme de livre, inspirée des ressources indéfinies de ce terme. Il en résulte un objet graphique composite et insolite, croisant recherche et expérimentation. Des fragments de textes issus de l’exploration du blanc relié à l’écriture, à l’espace, au contraste, à l’insaisissable, etc. (poésie, étymologie, citations, définitions, tours de langage, expressions anciennes) interfèrent avec des matières, des formes, des signes et des lettres prélevés dans notre environnement. BLANC tisse des mots, du papier et des empreintes, à partir d’associations d’idées, d’assemblages, de métaphores et autres ramifications. Il procède de l’attention, joue avec les mots et le sens, invite à l’expérience perceptive, à la réflexion et à l’interprétation. Mêlant typographie et moyens plastiques artisanaux, cette création graphique s’inscrit volontairement sous le signe de la soutenabilité, dans une époque qui en appelle à la frugalité des moyens de conception et de production, au regard des enjeux environnementaux.

Présentation

Roxane Jubert est enseignante-chercheuse, graphiste et typographe. Elle enseigne à l’École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs. Ses publications sont consacrées au graphisme, à la typographie et à leur relation aux arts visuels. Son principal ouvrage est publié aux éditions Flammarion sous le titre Graphisme Typographie Histoire / Typography and Graphic Design, From Antiquity to the Present. Une partie de ses recherches concerne le graphisme du point de vue des enjeux environnementaux. Publication récente : « La communication visuelle et graphique à l’aune des défis environnementaux : des priorités à redéfinir ».

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Catherine Denis

en dialogue avec Pascale Elbaz (ISI T)

« Regard déterminant du blanc : le vide actif »

Oeuvre calligraphique de Catherine Denis

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Résumé

Dans le texte « Du caractère à la lettre » j’avais écrit : « À l’origine était le son. J’écoutais les notes qui s’échappaient du piano […]. Et lorsque les notes me parvenaient alors que j’étais à l’étage […], elles me faisaient percevoir l’espace du silence qui les recevait » (Catherine Denis, Du caractère à la lettre, par Yves Bergeret et Nathalie Woog, Apogée, 2005, p. 8). Force est de constater qu’avant le son, il y a le silence ; avant le coup de pinceau, il y a l’espace blanc de la feuille de papier chinois, ou l’espace déjà très plein de la feuille de papier journal qui appelle mon geste, mêmes espaces « vierges » puisque je ne m’y suis pas posée. La copie calligraphique que j’ai vécue en Chine pendant presque dix ans m’a initiée au regard que l’on doit porter sur l’espace de la feuille et à la perception du vide avant le geste, pour pouvoir vivre pleinement le tracé du trait. Il est important de noter que l’espace du « blanc » est déjà là, avant le geste, et il est porteur de mon intention. 意在笔先 yi zai bi xian (« l’intention précède le geste »), postface au Plan de bataille du pinceau de Wei Furen (题卫夫人“笔陈图”后，王羲之，历代书法论文选，上海书画出版社, Wei Furen, « Bi chen tu » hou, Wang Xizhi, Lidai shufa lunwen xuan, Shanghai Shuhua Chubanshe). Le « blanc » comme « le plein déjà existant de l’imprimé » sont, dans mon mental, du même ordre du vide. Ils vont donner forme, et par là-même prendre forme et sens en recevant et épousant mon geste artistique. Je regarde le blanc, le blanc me regarde.

Présentation

Originaire de la Dordogne, Catherine Denis est née en 1954, de parents musiciens. La découverte de la calligraphie chinoise à Taiwan l’amène à en approfondir son étude à l’Académie Nationale des Beaux-Arts de Hangzhou (1986-1989). De retour en France, elle l’enseignera dans le cadre de diverses associations culturelles, ainsi qu’à l’Université Rennes 2. Parallèlement à cela, elle continue à développer un travail personnel au pinceau, toujours dans l’art de l’écriture, et travaille pour des créations collectives.