La vision de la femme, chez les surréalistes, n’est pas sans ambiguïté (Rosalind Krauss). Volontiers essentialisée, elle est réduite à une dimension mythologique qui reprend les habits de la Muse, quand celle-ci n’est pas d’un simple objet de désir. Cependant, une critique plus récente (Guillaume Bridet, Martine Antl, Pascaline Mourier-Casile, entre autres) a proposé une autre approche de la question. Si le mouvement avant-guerre laisse une place mineure à des femmes, et fait preuve d’une essentialisation réductrice (Annie Richard), le surréalisme après-guerre voit s’opérer une féminisation croissante de ses membres, tandis que le corpus théorique du mouvement, à partir d’Arcane 17, opère une revalorisation de la femme plus proche de la collaboration.

On étudiera plus précisément le cas d’André Breton. Le corpus féminin édité par ses soins dans les premières revues surréalistes brille soit par son absence ou par son aspect périphérique. La Femme exaltée par l’auteur de L’amour fou reste pendant longtemps un élément abstrait dont la participation réelle est mineure et volontiers réduite. La présentation de Léonora Carrington et de Gisèle Prassinos (au même titre que celle de Léonora Delcourt (Nadja), dont Breton ne retient qu’une partie des textes et propos) réutilise les tropes essentialisants de la femme-enfant ou de la Sorcière, comme pour refuser une individualité propre et une participation à l’entreprise historique du surréalisme. Ce « geste éditorial » (Brigitte Ouvry-Vial) évolue cependant par la suite, laissant de plus en plus place à un point de vue féminin. Contre les positions masculines et une virilité ayant « mené l’Occident à sa perte » (Breton), le point de vue féminin devient un paradigme politique (Flora Tristan), éthique (Mélusine), poétique (Joyce Mansour) et pictural qui permet au surréalisme de se réinventer.

Natascha Ueckmann est une universitaire allemande. Elle vient présenter à Paris le travail issu de sa thèse sur les récits de voyage au féminin et qui doit paraître en avril 2020 en français sous le titre Genre et orientalisme. Récits de voyage au féminin en langue française (XIXe-XXe siècles). La conférence du 18 mai n’abordera pas les grands noms auxquels on associe l’idée de récits de voyage en Orient (Flaubert ou Nerval par exemple) mais traitera de l’orientalisme du point de vue des femmes, en montrant que le voyage en Orient n’était pas rare chez la gent féminine éduquée au XIXe et au XXe siècles, bien que peu de voyageuses soient devenues célèbres dans l’histoire littéraire française. Parties en pèlerinage, en mission professionnelle, en voyage d’étude, exilées pour accompagner un mari ou par désir de liberté, ces exploratrices ont des parcours divers. Mais que se passe-t-il quand une femme – considérée traditionnellement comme l’Autre de l’homme – voyage vers des pays qui représentent pour l’Occident la plus ancienne image de l’Autre ? Ne s’agit-il pas d’une expérience de double étrangeté ? Confrontées au racisme, à la misogynie, à l’impérialisme et aux difficultés de socialisation liées à leur différence culturelle et à leurs privilèges, les voyageuses en Orient ressentent la nécessité d’écrire. Natascha Ueckmann nous fera entendre leurs témoignages et les analysera.

Natascha Ueckmann est, depuis 2018, maîtresse de conférences HDR à l’Université Martin-Luther de Halle-Wittenberg, où elle enseigne les littératures et cultures francophones et les théories postcoloniales. Sa thèse de doctorat portait sur les récits de voyage au féminin à l’Université d’Osnabrück, sa thèse d’habilitation, soutenue à l’université de Brème, sur les littératures contemporaines des Caraïbes. Actuellement elle co-dirige avec Romana Weiershausen le groupe de recherche junior Migration und Flucht. Theater als Verhandlungs – und Partizipationsraum im deutsch-französischen Vergleich, subventionné par la fondation Hans Böckler.

Anne Castaing et Fanny Lignon présenteront l’ouvrage collectif qu’elles ont dirigé : Travestissements. Performances culturelles du genre (PUP, 2020)

Les différents chapitres qui constituent cet ouvrage questionnent la portée politique du travestissement spectaculaire. Le lien entre travestissement et homosexualité, saillant dans nombre de discours, est-il à réinterroger ou à minimiser ? Pourquoi les travestissements masculins sont-ils surreprésentés, et contribuent-ils ainsi à naturaliser la hiérarchisation des genres ? Ludique, fonctionnel ou identitaire, transgressif ou spectaculaire : si le travestissement recouvre différents phénomènes, certains banalisés et d’autres marginaux, il permet globalement de penser le lien entre genre, culture et performance. Il met d’une part en évidence les artifices du genre et les modalités de sa construction et de sa déconstruction comme pratique performative ; il témoigne d’autre part de pratiques historiquement, socialement et culturellement situées du genre. On propose ici un état des lieux des réflexions actuelles sur les travestissements et leur fonction symbolique et/ou politique. L’ouvrage vise à historiciser les pratiques des travestissements et évite tout biais qui pourrait invisibiliser ou provincialiser des phénomènes non-occidentaux. Histoire culturelle, anthropologie, arts du spectacle et sociologie ; télévision, cinéma, littérature, musique sont les domaines mobilisés.

Trois contes immoraux (pour Europe) au Festival d’Avignon, juillet 2021

Phia Ménard, née à Nantes en 1971, vient du monde du cirque, de la danse contemporaine et du théâtre performance. Après avoir été formée et avoir travaillé avec le jongleur Jérôme Thomas et le chorégraphe Hervé Diasnas, elle fonde en 1998 la compagnie Non Nova, basée à Nantes, avec l’ambition « d’abandonner la question de la virtuosité pour travailler le défaut, loin du cirque et de la jonglerie, en se [me] rapprochant de la danse, du théâtre et de la performance ». Sa transition, ouvertement entamée dès 2008, va davantage influencer son parcours artistique. Sa recherche sur l’« injonglabilité complémentaire des éléments » — « ayant pour objet l’étude des imaginaires de la transformation et de l’érosion au travers de matériaux naturels » — la conduit à explorer la glace, l’eau, l’air et leurs influences sur les comportements humains. Le premier spectacle né de ce projet en janvier 2008, P.P.P. (Position parallèle au plancher), a fait de la glace « sa carte d’identité artistique, un symbole aussi de sa métamorphose, de son « coming-out ».

Son spectacle Saison sèche, dénonçant les normes du patriarcat imposées aux femmes est créée au Festival d’Avignon en 2018.

Phia Ménard est artiste associée au Théâtre National de Bretagne de Rennes et de Malraux Scène nationale de Chambéry. Elle travaille également au Centre international de Formation en Arts du Spectacle (CIFAS) de Bruxelles avec le philosophe Paul B. Preciado sur la question du genre.

La Trilogie des Contes Immoraux (pour Europe)

Points de départ et consonances :

« Au départ, je suis jongleuse. Très vite, j’ai dépassé l’objet à manipuler, pour en arriver aux éléments : le vent, l’eau, la glace. Ce qui mène à la question de l’équilibre, de l’espace. Et puis la question de l’habitat me semble très révélatrice de nos problèmes d’aujourd’hui. On se réinterroge sur la notion de cabane, notamment. C’est un peu l’histoire des Trois Petits Cochons. Comment on fait, qu’est-ce qu’on construit pour résister au loup ? L’architecture amène à reconvoquer beaucoup de symboles, notamment celui de la construction européenne, comme on l’appelle justement, qui était le point de départ de la Trilogie. « (Propos recueillis dans Le Monde, 21 juillet 2021.)

Spectacle parti d’une commande de la documenta 14, quinquennale d’art contemporain de Kassel, en Allemagne autour de deux thématiques : « Apprendre d’Athènes » et « Pour un Parlement des corps ». C’est ainsi que sous une forme de conte est née la première partie de la trilogie, Maison mère, écrite en 2017. Assise silencieuse sur scène, guettant un temps le public, Phia Ménard, en Athéna guerrière façon punk, se met à arpenter toujours silencieuse la scène, mesure, découpe des pans du plateau en carton et se met à construire devant nous une bâtisse, toute en carton, un Panthéon inattendu et fragile. Une eau qui coule généreusement des cintres, une pluie monotone et de plus en plus dense détruit finalement la bâtisse, la Maison mère de notre civilisation, sous les yeux impavides de la guerrière. Ensuite, le deuxième moment de la trilogie, Temple Père, fait référence à la construction de la Tour de Babel, symbole phallique par excellence et de la société patriarcale. Des esclaves-acrobates hissent les trois étages de la Tour, sous les ordres incantatoires d’une femme dominatrice, dans un rythme chamanique et envoûtant. C’est un collage de textes en plusieurs langues, qui commence par Hermès Trismégiste, en passant par Metropolis de Fritz Lang et qui finit avec l’hymne suprême, « La machine est mon seigneur et mon maître », titre d’un livre collectif paru en 2015 et qui réunit des enquêtes et des témoignages sur la vie des ouvriers chinois de Foxconn où se fabriquent les IPhone d’Apple, les Kindle et autres Playstation. La troisième partie, La Rencontre inédite, très courte, nous mène face à face avec nous-mêmes. Dans la Tour illuminée, on voit de dos Phia – l’Athéna guerrière punk, de dos, toute nue. Elle descend lentement et – après avoir projeté avec un extincteur de la teinture noire sur une toile en plastique, qui tombe brusquement derrière elle – se retourne vers la salle et nous contemple en silence. Entre récit mythologique, allégorie philosophique et fable politique, ces trois tableaux nous donnent à voir un monde au bord de la noyade mais aussi les raisons d’un espoir : « Si aujourd’hui j’avais une aspiration à croire, je croirais en l’Europe, car c’est celle qui me garantit la paix, la possibilité d’avoir une altérité, c’est un creuset de rivières, de fleuves, de connexions, de langues qui nous relient. Ce sont des lieux de rêve. Ces contes sont une prière pour l’Europe ».

La Trilogie des Contes Immoraux (pour Europe) sera présentée dans une série de tournées en France et Belgique et,notamment, dans la région parisienne, à la MC93 Maison de la Culture de Seine-Saint-Denis Bobigny du 6 au 12 janvier 2022.

En 1977, en plein essor du mouvement féministe, Annie Le Brun publie le pamphlet Lâchez-tout : le scandale est immédiat, et lui vaut une notoriété durablement sulfureuse. Dans un style très virulent, elle y critique ce qu’elle nomme un « néoféminisme » en voie d’institutionnalisation et allant à l’encontre de l’intérêt même des femmes. Régulièrement réédité et augmenté depuis sa première parution, ce pamphlet est porteur d’une conception radicale de la liberté et constitue, pour Annie Le Brun et bien d’autres, un « appel à la désertion » toujours actuel. Nous en suivrons les chemins et tournerons avec elle nos regards vers quelques figures d’« insoumission sensible » qui l’aident à penser la révolte des femmes, des figures souvent apparentées au surréalisme et au romantisme.

Deux textes de Justine Arnal, Les Corps Ravis et Finir l’Autre nous permettront d’avoir une conversation autour de la bioéthique et du genre dans le contexte de la reproduction. Ces deux œuvres proposent deux histoires de grossesse différentes, mais expérimentales, et elles partagent une similitude particulière : les mères y font leurs enfants indépendamment d’un homme. Les deux œuvres se penchent également sur le fantastique pour nous montrer des métaphores pour nos propres potentialités technologiques dans le contexte de la reproduction ; ils sont très actuels politiquement puisqu’ils nous permettent de remettre en question nos normes et nos lois. Ces œuvres nous invitent à considérer le genre dans le langage, ainsi que politiquement, et ils nous mènent également vers une lecture psychanalytique : le désir d’enfant est un thème courant, et la relation mère-fille est très importante et surtout particulière dans ces deux œuvres.